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    La historia se desarrolla en el Nueva York Bohemio de los 90. Jon cumplirá 30 años dentro de una semana... fecha que se puso como límite para cumplir su sueño de estrenar un musical en Broadway o dedicarse a una vida normal.

    Jon nos muestra una semana vertiginosa donde se mezcla su trabajo de camarero, un estúpido estudio de mercado para una agencia de publicidad, la posibilidad de perder a su novia, Susan, la enfermedad de su mejor amigo, Michael, y la presentación de un workshop de la obra en la que lleva trabajando 5 años, Superbia, y que puede suponer el éxito o el fracaso... tick... tick... Mientras, Susan y Michael animan a Jon para que madure y acepte la realidad tal y como es... o no... ¿BOOM?

    La colaboración de la Compañía con el Ayuntamiento de Torrelodones, que nació como proyecto pionero hace doce años, tenía como principales objetivos la sensibilización y acercamiento de la danza a los ciudadanos. Su éxito ha servido como modelo a otras ocho compañías de la Comunidad de Madrid.

    Durante este tiempo, María Pagés Compañía ha afrontado con entusiasmo, compromiso y dedicación la tarea de involucrar a los vecinos de Torrelodones en la cultura a través del arte flamenco.

    En su nombre y en el de su Compañía, la bailaora y coreógrafa quiere agradecer el apoyo recibido durante estos años y, en especial, a los ciudadanos de Torrelodones por su acogida, participación y entusiasmo.

    La Compañía siente haber sido instrumentalizada políticamente en esta última etapa. Es consciente de que en tiempos difíciles se hace necesario reorganizar, reestructurar y optimizar las estructuras, pero advierte del peligro de que la crisis económica sirva de excusa para acabar con proyectos que han demostrado su contribución a la riqueza cultural y el tejido social de nuestro país.

    María Pagés es hoy una de las creadoras más destacadas dentro del panorama internacional de la danza. Su última creación, Utopía, ha recibido el aplauso de crítica y público en el Teatro Español de Madrid donde agotó las localidades el pasado mes de diciembre.

    Pagés, Premio Nacional de Danza, viaja los próximos meses con este espectáculo a los más prestigiosos teatros y festivales de todo el mundo, el Bunka Mura Orchad Hall deTokio, el Chejov Festival de Moscú o la Ópera de Sidney.

    Está protagonizada por Jesús Cisneros, Yolanda Arestegui, Antonio Vico, Isabel Gaudí, Aitor Legardón, Encarna Gómez, Marta Flich, Cristina Peña y bajo la dirección de Pilar Masa.

    Félix y Carlos son socios en una editorial y amigos de toda la vida, Félix es un hombre sencillo y trabajador, Carlos es un caradura y vividor. Félix está enamorado de su encantadora mujer, Diana, que es la mejor amiga de Lidia, la hasta ahora resignada esposa de Carlos. Diana decide contratar a Oscar, un decorador muy “in” para modernizar el piso. Oscar ha congeniado muy bien con Annia, la asistenta alemana, y muy mal con Félix. La inesperada llegada de Adela, escritora superventas y mujer de estricta moralidad, altera los planes de cada personaje que intentan que los demás no sepan sus intenciones infieles y se ven inmersos en una trama de falsas apariencias llena de enredos, equívocos y malentendidos, vividos a ritmo desenfrenado.

    O.G.T. es un espectáculo, un sindicato, un movimiento que defiende el derecho del trabajador a odiar su trabajo, a su jefe, a la mujer de su jefe, a su perro y a su madre, y no necesariamente por este orden.

    , propone un ''master-show'' de improvisación que te prepara para la vida. Asiste los sábados a las clases de los profesores: Dávila, Ferrés, Hervás y Librado y sal preparado para vivir tu día a día de otra manera. En el bus, en el trabajo, con tus padres, si te para la policía, si te ha pillado tu pareja... cuando la vida te pone pruebas:

    En el mundo entero, la gente que desconoce su verdadera trayectoria, lo exhibe en sus camisetas, banderas y graffitis como algo que representa la lucha contra lo establecido. El Che es hoy una bandera contra lo que la gente siente como opresivo, injusto, intolerable.

    Creemos que en un momento donde el sistema hace aguas, donde los mercados y las multinacionales someten a los gobiernos de cualquier signo a sus presiones avariciosas, aún a los países del llamado primer mundo; la imagen del Che crece.

    Consideramos que esta inteligente reflexión sobre lo actuado realmente por el Che, es un aporte decisivo para la comprensión de la rebeldía de estos tiempos, que se expresa en el mundo árabe tanto como en occidente con todo tipo de movimientos que, aún sin ser antisistema, reclaman ajustes para un mejor funcionamiento de nuestra democracia representativa.

    El Che está prisionero y se presenta una profesora de historia (desde el tiempo actual) la profesora Navarro, que le hace cuestionamientos y preguntas acerca de sus acciones en el pasado.

    Ella nos contará su historia teñida de pasión, soledad, ternura, deseo, amargura, ilusión, culpa; y en su devenir quizás podremos saber si el amor así entendido es un bumerang que nos golpea o una circunstancia común del sentimiento a la que cada uno responde como puede.

    Con la aprobación de su madre, Chole, abnegada esposa ha dedicado su existir a complacer, como si fuese Geisha. La ironía de la obra lleva a Chole a asesinar a su marido para que éste no la abandone. Papá y el esposo fenecido. –machos ambos, permanecen atados a esa realidad previa, tratando de inquirir en los móviles irracionales que llevaron a la esposa a cometer el crimen. La muerte macha ronda la casa. Obra cargada de humor negro, fanatismo, ironía y realidad.

    Lucía, la madre, adora a Serrat y sus canciones. Lo conoció en Buenos Aires. Es escritora de cuentos infantiles y vive en España desde el 76. Está casada y separada de Fernández, exitoso entrenador de fútbol con el que mantiene una relación entrañable, solidaria y divertida. Penélope, la hija, es profesora de canto y dirige un coro, convencida de que su voz es fea. Culpabiliza a su madre de todos sus males. Y en particular a la influencia de las ideas y canciones de Serrat en su vida. Desde que Penélope se caso con José Mari,(el farmacéutico) se ha distanciado de su madre y del canto.

    La acción comienza cuando Penélope se separa de José Mari y viene a vivir con su madre. Allí entre fragmentos de canciones de Serrat, situaciones hilarantes y conflictivas, ambas mujeres nos conmueven con una relación plena de amor y humanidad que permite que Penélope debute como solista y algunas sorpresas más...

    “Diferentes idiosincrasias, situaciones comunes sin saber que finalmente independientemente del entorno de cada una, son una misma. La lucha interna y la queja eterna. Relatos de mujeres dependientes de la cocina que luchan por la independencia y coger el sartén por el mango.

    Vidas cruzadas y cruces vividas son los caminos que Supremme De luxe esta vez recorre presentando en un ambiente de Café Concert.” Una ex vedette retirada y recluida en la portería de un edificio recuerda y comparte un poco su vida.

    Reflexiones gestadas en el menos común de los sentidos… Sus amores, sus afectos y sus grandes pasiones son las que le permiten lidiar con el “día a día”. Años tratando de encontrarle forma a su pesar encubierto hasta que cae en cuenta que lo que le toca vivir es lo que hubiese elegido. Sin dudas. Cuando el silencio de las cuatro paredes le habla, ella simplemente oye y responde con pensamientos en voz alta.

    No es un drama, es una visión diferente de una más de muchas mujeres que viven toda su vida pensando que las opciones… no implican pérdidas, porque no conocen las opciones como tales. Lo que a ella le salva es su convencimiento radical y su postura frente a la vida. Por momentos disparatada, por momentos tierna, por momentos surrealista.

    Esta obra cuenta la verdadera historia de Caperucita Roja. Una niña traviesa, inquieta y tremendamente mentirosilla que no hace más que meterse en líos. Hasta que un curioso personaje le ayuda a retomar el camino. Ese alguien es, paradójicamente, Pinocho .

    En la improvisada representación los artistas harán diferentes personajes: Malabaristas, Magos, Domadores, etc..., donde acabarán montando la orquesta del chupete con la colaboración de los niños en la percusión.

    Iván un Cibernauta virgen y romántico, descubre que su ídolo Charli Black un roquero sexohólico y cafre ha muerto, desesperado Iván entra en ouijas.com e invoca al espíritu de Charli, quien no sólo lo posee sino que también lo querrá con vosotros.

    En el show colaboran como cameos en audiovisual : Héctor Alterio, Julieta Serrano, Arturo Valls, Inés Sastre, Antonio Molero, Dominique Pinon (actor de Amelie), Fele Martínez, Pedro Ruiz, Ana Vilches, y Danai Querol entre otros… y artistas como Moi foto.net

    La producción de Roma es una apuesta de calidad del teatro independiente y para la misma transformaremos nuestra sala para trasladar al espectador a la ciudad de Roma -nos explican los responsables del proyecto-. La obra narra en tono de comedia el inexorable paso del tiempo en la vida de una pareja, y como lo que en un principio empieza siendo de un intenso color rosa termina adquiriendo un color oscuro casi negro. La historia tiene lugar en la ciudad eterna y el ambiente italiano de la dolce vita impregnará a todos aquellos que acudan a nuestra sala.

    Está previsto que al finalizar la obra se lleva a cabo un coloquio con la directora ,l os actores y el público asistente, un encuentro donde se desvelarán los entresijos de esta obra inédita del genial Paco Mir.

    La hoja nace, juega, aprende, crece... se enfrenta a muchos retos, de los cuales el más importante es el de despertar a Eolo para recordarle que sople fuerte y así ponga el mundo en movimiento.

    “El proyecto Tres años parte en primer lugar de la lectura de la novela de A. Chejov Tri Goda y de una gran veneración hacia los textos del autor ruso, cuentos, novelas, obras dramáticas, cartas, reflexiones, etc., y además parte del deseo ya antiguo de indagar en su obra desde un divertido análisis práctico, con un grupo de actores que trabajen de forma afín a la nuestra en Guindalera. También surge de una serie de reflexiones personales nacidas de dicha lectura sobre la tópica “felicidad” y la pretensión de alcanzarla (mientras despreciamos lo que generosamente nos da la vida), y la siempre enaltecida pasión amorosa, un sentimiento egoísta, capaz de las acciones más maravillosas pero también de las más terribles. Y por último Tres Años parte de la necesidad de conectar con las vidas de la generación de mis padres (¡siempre la memoria!) y el deseo de contar anécdotas, reales o inventadas, de aquellos años azarosos anteriores a la Guerra Civil Española, simples elucubraciones que posiblemente parten de un dato real o inventado. Todo esto unido en una coctelera dio nacimiento a una primera adaptación libre de la novela corta de Chejov. Sobre esta primera versión comenzaron los ejercicios con los actores, lecturas e improvisaciones que se fueron enriqueciendo con aportaciones extraídas de toda la obra del autor ruso, pero teniendo en cuenta las diferentes personalidades de los interpretes que incidieron en la caracterización de los personajes definitivos, no exactos a los de la novela, y sobre todo nuestro cuidado por mantenernos fieles al espíritu de la obra de Chejov. Ya con la versión definitiva comenzaron los ensayos para su puesta en escena, teniendo muy presente las enormes limitaciones de producción que como de costumbre solemos tener.” (Juan Pastor.)

    Cinco personajes de la España de los años treinta viajan a nuestros días y nos cuentan lo que les sucedió durante tres años en su búsqueda de la felicidad a través del amor y sus múltiples formas de manifestarse. Y mientras nos “representan” ese pasado ya vivido, a veces de forma absurda y grotesca, se preguntan y nos apremian a preguntarnos: ¿es posible que el amor nos ayude a tocar aunque sea de refilón el cielo de la felicidad? ¿Qué nos impide que esto suceda? Y lo hacen con un punto de vista tierno y amable.

    FaithHealer habla sobre las mentiras que nos contamos a nosotros mismos para evitar la realidad, sobre cómo tejemos nuestra memoria para anestesiar nuestros dolores utilizando parte de nuestra verdad para crear ficción. Habla sobre como reinventamos nuestro pasado aunque la verdad de aquellas vidas termine por traicionar esas ficciones. Los personajes de la obra que habitan lugares más allá del tiempo, encuentran una vida en el presente hablando de sus acontecimientos pasados, de su verdad subjetiva, dando diferentes puntos de vista sobre una historia de amor y odio, éxito y fracaso.

    Frank no comprende sus dones, se cree un genio o un embaucador. Atormentado por su talento no se comprende a si mismo siendo capaz de magníficas obras y de los fallos más abyectos. Además su don no le permite vivir en paz. Pero Frank está retratado mucho mejor por Grace, su pareja, un personaje trágico lleno de coraje, entrega y amor, y todavía mejor por Teddy, su representante, una cómica y doliente encarnación del mundo del espectáculo. Además, ambos nos muestran de forma valiente y desnuda sus íntimas vidas condicionadas por el talento del genio. Es una metáfora y una reflexión sobre el arte, sobre la frágil dependencia del artista ante la casualidad del talento, que muestra cómo cualquier don espiritual o artístico es a la vez un maleficio y una bendición.

    Pero Brian Friel sobre todo pide al espectador que saque sus propias conclusiones sobre lo ocurrido, nos muestra que la verdad es subjetiva y que todo es cuestión de percepción y recuerdo.

    Había una vez un niño. Un pájaro. No, un niño con un pájaro en la cabeza. No, un pájaro con un niño bajo su nido. ¡Un niño pájaro! ¿Y cómo empezó todo? Como empiezan las historias hermosas… por una equivocación… que nos echa a volar, de viaje, con dos personajes que son uno. Él es un niño de cualquier lugar del mundo, un niño con todo y con nada. Él es un pajarillo olvidado por error en la cabeza de un niño. Juntos emprenderán la búsqueda de la madre del pajarillo, ¿y lo hacen cómo? Volando de un continente a otro, de una cultura a otra, de un lenguaje a otro, diversidad y diversión. América, África, Asia, Oceanía, Europa. Conocimiento y juego. Su búsqueda tiene las alas de la amistad, la generosidad, del aprendizaje, de la curiosidad, la paciencia, la constancia y la imaginación. Volaran con esperanza y encontrarán lo buscado. Lo encontraremos todos. Ésta metáfora nos lleva a la verdad más absoluta, y es que los niños, nuestros niños, vuelan y deben volar siempre en busca de una verdad interior, de un buen aprendizaje, en búsqueda de un crecimiento sano y amable. Aquí pues, os dejaremos volar, a cualquier mágico rincón del mundo donde el vuelo de un pájaro-niño nos pueda llevar, al encuentro de lo que cada uno busca, y tenemos la certeza de que lo encontraremos todos.

    Hemos contado con el escenógrafo Ricardo Vergne conocido por sus trabajos con Aracaladanza, El retablo, La Canica, o el teatro de la Abadía entre otros. La marioneta del “Niño – Pájaro” es obra suya.

    Para La dirección y dramaturgia de la obra hemos vuelto a contar con la directora Marisol Rozo, reconocida por sus trabajos con la compañía Dragones en el andamio y el violinista Ara Malikian.

    , con un universo mágico de números circenses, acróbatas y malabares en medio de la oscuridad. Pampinak Teatro es una compañía que mezcla el Teatro Negro y el Bunraku, utilizando muñecos que miden desde 80 cm hasta 5 m de altura, con sistemas de manipulación propios, generando climas profundamente poéticos, donde los elementos se mueven con una organicidad tal que parecen estar vivos.

    El truco de Olej narra la historia de un niño barrendero que quiere ser mago. Este niño intentará aprender la profesión de mago haciendo enfadar al presentador del circo, mientras se suceden distintos cuadros típicos del espectáculo circense: malabaristas, acróbatas y equilibristas. El truco de Olej es una colorida obra con un fuerte impacto estético, en el cual los personajes, muñecos de distintos tamaños y colores fluorescentes, se arman y se desarman cobrando vida gracias a la complicidad de la oscuridad.

    El teatro negro nace en Praga, en un escenario totalmente negro iluminado sólo con luz ultravioleta. Los actores, vestidos también de negro, manejan figuras cuyos colores brillan con esta luz y se mimetizan con el fondo desapareciendo de la vista, dando la sensación de que las figuras se mueven solas.

    Pampinak Teatro es un grupo de teatro animado que desarrolla su trabajo sobre tres puntos: lo climático, lo visual y lo universal. Por esta razón quizá sus espectáculos no son patrimonio exclusivo del público infantil sino que se transforman en una experiencia para compartir con toda la familia. Las historias son sencillas, de fácil comprensión y funcionan como excusa para desarrollar climas donde la música, lo estético y lo orgánico de los movimientos, son canales que Pampinak transita para generar en el público una experiencia sensitiva.

    La poesía, lo lúdico de las imágenes, la música, la organicidad de los personajes, el respeto por la inteligencia del espectador, la magia, la curiosidad y la emoción transmitida a través de la belleza, hacen de este espectáculo una experiencia de vida inolvidable.

    La versión escénica de Emilio Hernández estará interpretada por Ana Torrent en el papel de Emma Bovary; Juan Fernández como Carlos Bovary; Armando del Río dando vida a Rodolfo; y Fernando Ramallo encarnando a León. El diseño de iluminación llegará de la mano de José Manuel Guerra; la música original la pondrá David San José; y el diseño de vestuario correrá a cargo de Helena Sanchís.

    Emma Bovary, mujer inteligente inmersa en los duros principios morales y sociales de 1850 que obligan a la mujer a vivir sumisa, intenta escapar de ese paisaje en el que se ahoga. Emma, lee, imagina, sueña, desea, se complace con fiestas, compras excesivas, pelea por lo que ella entiende una vida libre. Acepta y disfruta la relación con Rodolfo, su primer amante, y con León, joven estudiante, su niño al que también ama. Se pierde, equivoca la salida, cada vez mas sola, se hunde impotente. El amor incondicional de su marido Carlos Bovary no puede hacer nada por ella...

    Estrenada en palacio durante las carnestolendas de 1650 por la compañía de Diego Osorio, se convierte en una obra frecuentemente representada en años sucesivos en diferentes escenarios de la Corte. Impresa en la Tercera parte de comedias de D. Pedro Calderón de la Barca en 1664, se conserva, afortunadamente, un manuscrito autógrafo en la Biblioteca Nacional.

    En Trinacria, Focas será el padre atormentado que debe resolver el enigma que le angustia: encuentra dos jóvenes salvajes, de los cuales uno es su hijo y el otro es el hijo del emperador Mauricio, su desaparecido enemigo al que derrotó y usurpó el trono. Ante el peligro que se plantea para su propia sucesión, tendrá que averiguar cual de los dos es su hijo o matar a ambos.

    Un sucesor y un enemigo potencial, la duda y la certidumbre, la razón de Estado y la legitimidad, el amor y el odio hacen de esta obra una de las grandes cuentas pendientes que tenemos el placer de saldar con el gran repertorio calderoniano.

    : Carmen del Valle - Focas: Ramón Barea - Libia: Karina Garantivá - Astolfo: José Luis Esteban - Heraclio: Iñaki Rikarte - Leónido: Jorge Machín - Luquete: Paco Ochoa - Sabañón: Jorge Basanta - Lisipo: Jesús Barranco - Federico: Carles Moreu - Dama 1: Miranda Gas - Dama 2: Sandra Arpa - Dama 3: Diana Bernedo - Dama 4: Marta Aledo - Dama 5: Georgina de Yebra-Soldado 1: Borja Luna - Soldado 2: Paco Déniz.

    Asesor Literario: Fernando Domenech - Iluminación: Paco Ariza - Vestuario, utilería y caracterización: Curt Allen Wilmer - Escenografía: José Luis Raymond - Versión y Dirección: Ernesto Caballero.

    . Será un mes repleto de representaciones a cargo de 19 compañías especializadas en público infantil y juvenil de las cuales 9 son nacionales y el resto internacionales de países como Italia, Eslovenia, Alemania, Canadá, Suecia, Portugal, Países Bajos y Francia.

    Fiel a su estilo, que lo ha situado como uno de los festivales de artes escénicas más importantes del mundo, Teatralia 2012 presentará una amplia selección de espectáculos que engloban múltiples disciplinas de las artes escénicas: danza, música, teatro, títeres, teatro de sombras además de actividades paralelas que incluyen una exposición y un taller.

    El festival se desarrollará en 7 espacios escénicos de la capital: Teatros del Canal, Teatro de la Abadía, Sala Cuarta Pared, La Casa Encendida, Círculo de Bellas Artes y espacios propios como el Centro Cultural Pilar Miró y el Centro Cultural Paco Rabal. Teatralia también estará presente en 30 municipios de la Comunidad de Madrid con un total de 57 funciones, convirtiéndose un año más en el festival con mayor presencia en la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid.

    Las funciones de Teatralia 2012 están abiertas al público familiar, la mayoría en fin de semana, y habrá un apartado para público escolar, en días y horarios lectivos. Es destacable la campaña escolar, un programa que acercará las artes escénicas a los centros educativos en colaboración con la Consejería de Educación.

    “La madre pasota” de Darío Fo y Franca Rame es una comedia que tiene como único personaje a una madre que, tras seguir los pasos de su hijo rebelde, adicto a las drogas y guerrillero, se ve envuelta en un mundo totalmente diferente al conservador del que proviene. En este monólogo conocemos a una Madre que ha dedicado su vida a la crianza de su hijo pero que ahora, gracias a él, ha conseguido su libertad tras haber conocido el mundo rebelde al cual, sin querer, la guió su hijo.

    “Cosas nuestras de nosotros mismos”, un texto firmado por el propio Juan Margallo y Petra Martínez. Una acumulación de lo mucho que han vivido en cincuenta años de profesión, tanto en el teatro como por sus alrededores y parte del extranjero. Habla de la relación que tiene el teatro con la presencia del público y el momento.

    Krapp, un hombre cuya vida está mediada por sus propias grabaciones. Un diálogo de un hombre consigo mismo, o con sus yos pasados. En su cumpleaños, su último cumpleaños, el viejo Krapp se sienta con su magnetófono, su diccionario y sus plátanos y escucha su propio pasado contado por una voz más joven, a veces con placer, a veces con confusión, irritación o desesperación.

    No cabe la menor duda de que Beckett tiende a lo esencial. La última cinta de Krapp se torna horadante y cada vez más aguzada para penetrar más y más en las capas estratificadas de lo real y llegar a la única verdad que a Beckett le interesa: la verdad sobre la condición humana. No por medio de la verdad intelectual, sino por la verdad sensible. Lo sorprendente es que ese caminar hacia las profundidades no se traduce sino en visiones tenazmente concretas. Esas visiones, esa voz, las reconocemos en nosotros mismos, están mezcladas con nosotros, hombres y mujeres de aquí y de ahora, y no perdidas en alguna cómoda abstracción.

    ‘La cinta magnetofónica’ dice Beckett, ‘es un truco maravilloso. Resulta raro que no se le haya ocurrido a nadie antes… siendo, sin embargo tan sencillo’. Este truco le permite a Beckett, en efecto, un juego del recuerdo y del tiempo; juego teatral donde el espectador está a la vez en la sala y en el escenario.

    Vosotros que entráis en este universo habéis de abandonar los lugares comunes que acompañan el nombre de esta escritora. Son los mismos, por cierto, que lastran la recepción de otras escritoras: locura y suicidio. Graves son las consecuencias de la patología que consiste en ligar de esta manera vida yobra. La melancolía, la soledad y el aislamiento, cuando se ponen de manifiesto en la escritura de una mujer, son rasgos que admiten ser interpretados como prueba de un desequilibrio psíquico de tal naturaleza, que puede conducir a su autora al suicidio o a la locura. Si es varón el escritor, en cambio, y su obra o vida o ambas manifiestan parecida contextura, ésta suele recibirse como una confirmación del talante visionario de su hacedor. La muerte de Pizarnik, háyase suicidado o no, es tan relevante para la comprensión de su obra como el gas y el horno en un gélido apartamento londinense para la de Sylvia Plath.

    La fuerza de Extracción de la Piedra de Locura reside en la indagación teatral a partir del poema en prosa de Pizarnik, donde al tomar forma de monólogo íntimo, la palabra se hace cuerpo, acción e imagen escénica.

    Como ella misma expresaba en una entrevista: “escribo para que no suceda lo que temo; para que lo que me hiere no sea. Se ha dicho que el poeta es el gran terapeuta. En este sentido, el quehacer poético implicaría exorcizar, conjurar y, además, reparar. Escribir un poema es reparar la herida fundamental, la desgarradura. Porque todos estamos heridos.”

    El cuento musical nos narra la historia de Pedro, un niño que vive con su abuelo en una casa cercada por una valla que la separa del bosque, lugar donde vive el lobo. Sus amigos son un pájaro, un gato y un pato. Siempre juegan en el jardín de la casa, hasta que un día, a pesar de las advertencias de su abuelo, Pedro desobedece y salta la valla. Aparece un lobo que persigue a su amigo el pato hasta que lo atrapa y se lo come. Ayudado por el pájaro, cuya misión es distraer al lobo, Pedro consigue atraparlo con una cuerda. Es entonces cuando aparece en escena el cazador con intención de matar al lobo, pero Pedro le convence para que no lo haga y le lleve a un zoológico.

    A diferencia de la versión original, donde el cazador mata al lobo, en esta versión contemporánea, el valiente Pedro libera a un lobo que no es tan feroz, que tiene buenos sentimientos y que, además, está en peligro de extinción.

    El vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid, Ignacio González, presentó el pasado 11 de julio la nueva programación de los Teatros del Canal para la temporada 2011-2012, una oferta artística definida por la diversidad de géneros y propuestas escénicas. Acompañado por el viceconsejero de Cultura y Deportes, Javier Hernández, y por el director artístico de los Teatros, Albert Boadella, González definió la temporada como “de enorme calidad y diversidad, abierta a todos”.

    La programación dará continuidad al trabajo que se ha venido realizando en este espacio escénico, tal y como destacó González, quien recordó que en las tres primeras temporadas los Teatros del Canal tuvieron un 70% de media de ocupación y más de 440.000 espectadores, más de mil representaciones y 230 montajes.

    , las dos salas de los Teatros del Canal acogerán más de 80 montajes, entre los que podrán verse espectáculos de música, danza, lírica, y por primera vez, hasta un cabaret. Compañías nacionales e internacionales, y algunas coproducciones, se darán cita en una programación que promete un año más, ante todo, variedad y calidad.

    Por destacar algunos géneros, la comedia y el humor seguirán teniendo un espacio asegurado en los Teatros del Canal. El transformista Ennio Marchetto homenajea al mundo del cómic con su nuevo show, que presenta en Madrid en octubre y ¡Qué desastre de función!, de Michael Frayn, traerá en marzo dos comedias en una en versión de Paco Mir (Tricicle).

    Por primera vez en Madrid, en Navidad llegará al Canal el mítico cabaret parisino Le Crazy Horse con Forever Crazy, un homenaje a su fundador. El prestigioso coreógrafo francés Philippe Decouflé añade un toque de humor y modernidad a un espectáculo lleno de sensualidad. Se trata del primer cabaret que podrá verse en los Teatros del Canal.

    Por otro lado, clásicos de la literatura universal como Shakespeare, Chéjov o Lorca son revisados desde una óptica contemporánea y rigurosa por Ur Teatro, L’Om Imprebís y Santiago Sánchez y Rakatá.

    El género teatral, una de las grandes apuestas de la programación, contará también con obras de teatro clásico, con la interpretación de José Sancho, que protagoniza Los intereses creados, de Jacinto Benavente. los Teatros del Canal coproducen una adaptación de La Regenta de Leopoldo Alas Clarín, en la que la directora Marina Bollaín coloca a Ana Ozores en un plató de televisión, donde se ventilan los escabrosos detalles de su triángulo amoroso.

    De la necesidad de soñar con un mundo mejor nace El tiempo y los Conway, de John Boynton Priestley, un montaje de Juan Carlos Pérez de la Fuente sobre versión de Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño o El pisito, del gran Rafael Azcona, con Asunción Balaguer, Pepe Viyuela y Teté Delgado.

    También habrá cabida para el público familiar. De esta forma, el Teatro Negro Nacional de Praga, con la magia de sus sombras, nos conducirá a un mundo de fantasía con dos cuentos: Alicia en el País de las Maravillas y Las aventuras del barón de Münchhausen.

    A través de la “Taquilla Último Minuto”, ubicada en la céntrica Plaza del Carmen de Madrid, se pretende incentivar y facilitar a todo tipo de público el acceso a la oferta de artes escénicas de Madrid, a través de precios especiales que pueden alcanzar hasta el 50% de descuento.

    Esta Taquilla permanecerá abierta de martes a domingo, de 17:00 a 22:00 hora, y se podrán comprar entradas de los espectáculos de los teatros adheridos desde dos horas antes de cada función. Con la creación de este punto de venta, la Consejería de Cultura y Deportes hace una apuesta firme y decidida de promoción y difusión de las artes escénicas, en su afán de colaborar con el sector teatral privado madrileño.

    Desde las 17:00 horas, en la “Taquilla Último Minuto”, el público podrá acceder a la oferta de entradas del día, en la que, mediante una pantalla informativa, se le indicará el teatro, la obra o espectáculo y su descuento. Una vez hecha la elección, comprará la entrada, que le servirá para acceder directamente al teatro, sin necesidad de pasar por taquilla.






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